Sofia Coppola, conhecida por sua visão singular e esteticamente refinada, traz ao cinema uma nova versão do filme “O Estranho que Nós Amamos” (2017), baseada no romance de Thomas Cullinan. Comparado ao original de 1971 dirigido por Don Siegel, Coppola oferece uma releitura intimista e feminina, explorando as complexidades psicológicas de suas personagens com uma sutileza característica de sua filmografia.

O filme se passa durante a Guerra Civil Americana, em um internato para meninas na Virgínia, onde um soldado da União ferido, John McBurney (Colin Farrell), é encontrado e acolhido por Martha Farnsworth (Nicole Kidman) e suas alunas. A presença de McBurney desencadeia uma série de tensões sexuais e emocionais, revelando os desejos reprimidos e as dinâmicas de poder entre as mulheres da casa.

Desde os primeiros momentos, Coppola estabelece um ambiente claustrofóbico e ao mesmo tempo encantador. A cinematografia de Philippe Le Sourd captura a luz natural e os interiores sombrios da mansão sulista, criando uma atmosfera de isolamento que reflete o estado emocional das personagens. A paleta de cores suave e os figurinos meticulosamente detalhados contribuem para a construção de um mundo visualmente cativante e historicamente convincente.

Nicole Kidman, como a rígida e controladora Martha Farnsworth, entrega uma performance contida, mas intensa. Sua autoridade é constantemente desafiada pela presença de McBurney, e Kidman navega com maestria entre a severidade e a vulnerabilidade. Kirsten Dunst, como a professora Edwina, oferece uma interpretação melancólica, representando o anseio por liberdade e amor em meio à repressão. Elle Fanning, como Alicia, a jovem sedutora, traz uma energia inquieta e provocadora, ilustrando a tensão entre inocência e sexualidade.

Colin Farrell, no papel de McBurney, é simultaneamente encantador e ameaçador. Sua presença disruptiva expõe as fissuras nas relações entre as mulheres, e sua manipulação habilidosa exacerba os conflitos latentes. Farrell equilibra o carisma com a malevolência, tornando-se um catalisador para a transformação das personagens.

Coppola, ao adaptar o romance de Cullinan, opta por uma abordagem mais psicológica e menos explicitamente violenta em comparação ao filme de Siegel. A diretora foca nas nuances emocionais e nas sutilezas das interações, explorando os temas de desejo, poder e traição de maneira sofisticada. As escolhas narrativas de Coppola, como a omissão de cenas de violência gráfica, sublinham sua intenção de criar um estudo de personagem mais introspectivo.

A trilha sonora minimalista de Phoenix complementa a estética delicada do filme, reforçando a atmosfera de tensão subjacente. O silêncio e os sons da natureza desempenham um papel crucial, amplificando a sensação de isolamento e suspense. A ausência de uma trilha sonora convencional permite que os diálogos e os sons ambientais ganhem destaque, intensificando a imersão do espectador no mundo criado por Coppola.

“O Estranho que Nós Amamos” de Sofia Coppola é uma obra que exige uma leitura atenta e uma apreciação das camadas sutis de significado. A diretora desafia as expectativas do gênero, oferecendo uma perspectiva feminina sobre uma história tradicionalmente contada através de um olhar masculino. O filme não se apoia em clichês de horror ou suspense, mas sim na complexidade emocional e na dinâmica interpessoal de suas personagens.

A crítica ao patriarcado e à guerra é subjacente, mas nunca explicitamente declarada. Coppola confia na inteligência do espectador para perceber as implicações sociais e históricas de suas escolhas narrativas. A diretora utiliza a ambientação e os personagens como metáforas para discutir questões de poder, controle e autonomia feminina.

A delicadeza da direção de Coppola não diminui a intensidade dramática da narrativa. Ao contrário, sua abordagem sutil e cuidadosa amplifica a carga emocional, permitindo que os pequenos gestos e olhares contem histórias profundas. O ritmo do filme, embora lento, é cuidadosamente calibrado para construir a tensão de maneira gradual e inexorável.

Os diálogos, econômicos e precisos, revelam mais do que dizem, deixando espaço para as interpretações do espectador. A comunicação não verbal entre as personagens é um elemento central, e Coppola demonstra sua habilidade em dirigir atores para explorar essas dimensões subtis. Cada interação é carregada de significados implícitos, tornando o filme uma experiência rica em camadas interpretativas.

A escolha de ambientar a história em um cenário isolado e fechado serve como um microcosmo das dinâmicas de poder e repressão da sociedade maior. A mansão, com seus corredores escuros e jardins exuberantes, torna-se um personagem em si, refletindo as emoções e tensões dos habitantes. A dicotomia entre a beleza do ambiente e a feiura dos conflitos internos cria um contraste poderoso que permeia todo o filme.

A obra de Coppola é uma meditação sobre a natureza do desejo e do poder, uma exploração das facetas obscuras da alma humana. Seu estilo visual distintivo, aliado a uma narrativa profundamente psicológica, reafirma seu lugar como uma das vozes mais originais e perspicazes do cinema contemporâneo.